Después de dos semanas, volvemos con dos obras de este compositor.
Julio Estrada nació en Ciudad de México en 1943. Es creador musical, historiador, pedagogo, e intérprete mexicano de padres españoles exiliados.
Editor de La música de México (1984), sus búsquedas sobre el prehispánico mexicano le conducen al tema de la identidad cultural musical. El sonido en Rulfo (1989) y su nueva edición, El sonido en Rulfo: el ruido ese (2007) dan base a la multi-ópera Murmullos del páramo (1992-2006) para siete voces solistas, cinco instrumentos y distribución espacial electroacústica, constituida por un conjunto de siete módulos que pueden ejecutarse de manera independiente. El estreno de la versión completa fue en 2006. Una nueva versión se presenta en Japón en diciembre de 2010 con escenografía, iluminación y vestuario concebidos por el propio autor.
En paralelo al proceso de creación de dicha multi-ópera inicia una nueva búsqueda consistente en la creación musical en directo, con orquestas, solistas y grupos de cámara.
Sus teorías están expresadas en Música y teoría de grupos finitos, escrito en co-autoría con Jorge Gil; Realidad e imaginación continuas: Filosofía, teoría y métodos de creación musical en el continuo; Teoría d1: MúSIIC, sistema interactivo de investigación y creación musical, y Teoría d1: El continuo de las escalas. En conjunto, dichos trabajos sintetizan dos nociones básicas: el potencial combinatorio de los intervalos, contenido en la colección de cantos o para conjuntos instrumentales, y el macro-timbre continuo, contenido en su obra desde 1980.
Profesor de la Escuela Nacional de Música (1971-) y titular del Laboratorio de Creación Musical (1996-), profesor fundador del Programa de Maestría y Doctorado en Música, miembro del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, de la Academia Mexicana de Ciencias (1996-), de la Asociación Mexicana de Ciencias, Artes, Tecnología y Humanidades (2004-) y del Sistema Nacional de Investigadores, del cual es el artista mexicano con mayor rango, Nivel III (1984-).
Doctorado en música y musicología por la Universidad de Estrasburgo, Francia. Orden de las Artes y las Letras de Francia (1981, 1986), Mención honorífica del Premio Pierre de Monaco, Premio Universidad Nacional en Creación Artística (2000). Profesor invitado de las universidades de Stanford, San Diego, Nuevo México, Complutense, Compostela, Rostock y Sorbona; de los cursos de Darmstadt (1984, 1992, 1998), Ateliers UPIC (1986-2001) y del "Centre de Mathématiques et Automatique Musicales", París (CEMAMu, 1980-86), donde dirige en 2001 las investigaciones en substitución de Iannis Xenakis para crear una versión PC de la UPIC y donde propone un nuevo proyecto, la UPIC siglo XXI, inconcluso al cerrarse el CEMAMu.
Autor de un centenar de ensayos, varios traducidos a siete idiomas. Autor de cuatro libros, treinta artículos en libros y más de medio centenar de artículos en revistas. Editor de La música de Conlon Nancarrow de Kyle Gannn y editor de la revista PIM, Perspectiva Interdisciplinaria de música.
Las obras que proponemos son:
Miqi'nahual, para contrabajo solo (1994).
Murmullos (extracto), para cinco o seis voces y electrónica (2002).
Texto basado en Wikipedia.
domingo, 24 de octubre de 2010
sábado, 2 de octubre de 2010
Sonatina para Yvette (X. Montsalvatge)
Xavier Montsalvatge i Bassols (Gerona, 11 de marzo de 1912 - Barcelona, 7 de mayo de 2002), compositor y crítico musical español, una de las figuras claves de la música española de la segunda mitad del siglo XX.
Estudió música en el Conservatorio Municipal de Barcelona, del que posteriormente sería profesor (desde 1970) y catedrático de composición (desde 1978), y fue discípulo de compositores como Lluís Maria Millet, Enrique Morera, Jaume Pahissa o Eduard Toldrá. Tras la Guerra Civil comenzó a escribir como crítico musical en la revista Destino (desde 1942), de la que sería director entre 1968 y 1975, y en el diario barcelonés La Vanguardia (desde 1962).
Xavier Montsalvatge murió poco después de cumplir los noventa años de un enfisema pulmonar, «plácidamente, en la misma cama en que murieron su padre y su abuelo», según declaró su hija Yvette. Atrás quedaba la obra de un autor independiente que despertó en los últimos tiempos el interés de nuevas generaciones de melómanos. El crítico Antonio Fernández-Cid lo definió como «un hombre altamente cultivado, cuyos horizontes nunca se restringieron exclusivamente a la formación musical».
Su producción musical atravesó diversas etapas. En sus inicios se considera nacionalistas, muy influida por el dodecafonismo y el wagnerianismo que triunfaban en la escena musical catalana (Sinfonía mediterránea, 1949). Le siguió una época con influencias de la música antillana (Cinco canciones negras, 1945, o Cuarteto indiano, 1952). A continuación, entabló relación con compositores franceses como Olivier Messiaen y Georges Auric, los cuales le influyeron decisivamente en su obra, la cual se adentró en una etapa caracterizada por la politonalidad libre (Partida, 1958). Finalmente, se vio influida por los estilos vanguardistas.
Hoy proponemos como obra de este compositor la Sonatina para Yvette. La obra fue compuesta en el año 1961. Según explica Montsalvatge en su autobiografía (Papeles autobiográficos), la idea de escribir una obra importante para piano nació de la voluntad del compositor de dedicar una pieza para el pianista Gonzalo Soriano, amigo de Montsalvatge, pero cuyas relaciones se habían deteriorado. Montsalvatge se propuso entonces escribir para Soriano una Sonata para piano, pero pensó que “era un trabajo desproporcionado, fuera del alcance de mi ambición, y una Sonatina se ajustaba más a mi propósito”. La obra, dedicada lógicamente a Gonzalo Soriano y estrenada por él en el año 1962, se ha convertido en una de las partituras más frecuentemente interpretadas de Montsalvatge. Dividida en los tradicionales tres movimientos, es un compendio de los recursos explotados por el compositor en esos años: abundancia de fragmentos politonales, sinuosas líneas melódicas cercanas al jazz -especialmente en el segundo movimiento-, y una escritura brillante que culmina en el tercer movimiento, donde se cita la popular canción infantil “Ah, vous dirai-je, Maman” (que cantaba frecuentemente la hija del compositor, la “Yvette” del título, que a la sazón tenía cinco años).
Esperemos que la disfrutéis.
Texto basado en:
Wikipedia
Biografiasyvidas.com
Naxos.com
Estudió música en el Conservatorio Municipal de Barcelona, del que posteriormente sería profesor (desde 1970) y catedrático de composición (desde 1978), y fue discípulo de compositores como Lluís Maria Millet, Enrique Morera, Jaume Pahissa o Eduard Toldrá. Tras la Guerra Civil comenzó a escribir como crítico musical en la revista Destino (desde 1942), de la que sería director entre 1968 y 1975, y en el diario barcelonés La Vanguardia (desde 1962).
Xavier Montsalvatge murió poco después de cumplir los noventa años de un enfisema pulmonar, «plácidamente, en la misma cama en que murieron su padre y su abuelo», según declaró su hija Yvette. Atrás quedaba la obra de un autor independiente que despertó en los últimos tiempos el interés de nuevas generaciones de melómanos. El crítico Antonio Fernández-Cid lo definió como «un hombre altamente cultivado, cuyos horizontes nunca se restringieron exclusivamente a la formación musical».
Su producción musical atravesó diversas etapas. En sus inicios se considera nacionalistas, muy influida por el dodecafonismo y el wagnerianismo que triunfaban en la escena musical catalana (Sinfonía mediterránea, 1949). Le siguió una época con influencias de la música antillana (Cinco canciones negras, 1945, o Cuarteto indiano, 1952). A continuación, entabló relación con compositores franceses como Olivier Messiaen y Georges Auric, los cuales le influyeron decisivamente en su obra, la cual se adentró en una etapa caracterizada por la politonalidad libre (Partida, 1958). Finalmente, se vio influida por los estilos vanguardistas.
Hoy proponemos como obra de este compositor la Sonatina para Yvette. La obra fue compuesta en el año 1961. Según explica Montsalvatge en su autobiografía (Papeles autobiográficos), la idea de escribir una obra importante para piano nació de la voluntad del compositor de dedicar una pieza para el pianista Gonzalo Soriano, amigo de Montsalvatge, pero cuyas relaciones se habían deteriorado. Montsalvatge se propuso entonces escribir para Soriano una Sonata para piano, pero pensó que “era un trabajo desproporcionado, fuera del alcance de mi ambición, y una Sonatina se ajustaba más a mi propósito”. La obra, dedicada lógicamente a Gonzalo Soriano y estrenada por él en el año 1962, se ha convertido en una de las partituras más frecuentemente interpretadas de Montsalvatge. Dividida en los tradicionales tres movimientos, es un compendio de los recursos explotados por el compositor en esos años: abundancia de fragmentos politonales, sinuosas líneas melódicas cercanas al jazz -especialmente en el segundo movimiento-, y una escritura brillante que culmina en el tercer movimiento, donde se cita la popular canción infantil “Ah, vous dirai-je, Maman” (que cantaba frecuentemente la hija del compositor, la “Yvette” del título, que a la sazón tenía cinco años).
Esperemos que la disfrutéis.
Texto basado en:
Wikipedia
Biografiasyvidas.com
Naxos.com
De vuelta al trabajo
Queridos amigos y seguidores,
Después de un periodo de vacaciones y "jaleos" con el inicio del curso, volvemos a publicar en nuestro blog. Para ello, estamos preparando la creación de nuevos apartados, la firma de las publicaciones con el nombre del autor, y otras innovaciones que estarán lista próximamente.
Os animamos a participar, cada uno con lo que pueda, para que este blog sea trabajo y disfrute de todos.
Después de un periodo de vacaciones y "jaleos" con el inicio del curso, volvemos a publicar en nuestro blog. Para ello, estamos preparando la creación de nuevos apartados, la firma de las publicaciones con el nombre del autor, y otras innovaciones que estarán lista próximamente.
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martes, 24 de agosto de 2010
Concierto para flauta en la menor (M Blavet)
Hace unos días, mientras conducía, pude escuchar una agradable y desconocida obra en la Radio Clásica; jamás había oído hablar de aquel compositor, cuyo trabajo y cuya sensibilidad estaban detrás de aquella música, tan barrocamente secuencial y marcada por el canto inconfundible de la flauta. Así, creí conveniente al llegar a casa buscar información sobre este, al menos para mí, desconocido compositor.
Mas, desafortunadamente, por más que busco, parece ser que Michel Blavet no gozó de una gran fama, algo por otra parte quizá también comprensible a juzgar por los grandes genios musicales que vio nacer este periodo artístico. Ya resulta realmente complicado encontrar información sobre Blavet en páginas en francés o inglés, algo que evidencia la escasez de páginas que puedan decirnos algo en español sobre este desconocido compositor. Es por ello que este pequeño artículo está basado en algunas páginas web en inglés, y algo más encontrado en un antiguo libro de un compañero.
Parece ser que la pequeña fama de Blavet se debió más que a su labor como compositor, a su formación como flautista, la cual, a su vez, estuvo marcada por el autodidactismo. Así, Blavet es conocido como un virtuoso de la flauta, si bien aprendió por sí mismo a tocar un gran número de instrumentos, entre los que también destacaba el fagot, en el cual, al igual que hiciese con la flauta, se especializó.
Un dato curioso es que, al contrario que la mayoría de los flautistas de hoy, Michel Blavet sostenía la flauta hacia el lado izquierdo.
Blavet nació en Basançon el 13 de Marzo de 1700 y murió en París el 28 de octubre de 1768. Era hijo de un tornero de madera, profesión que aprendió y ejerció durante un tiempo, mas, sin embargo, de manera casi accidental se vio convertido en profesor de flauta, llegando pronto a ser el mejor flautista de su tiempo, siendo de hecho considerado “el primero” por Quantz. Blavet destacaba por mantener una entonación impecable, incluso cuando tocaba en tonalidades más complejas, y por la belleza de su sonido.
El propio Voltaire expresó su admiración por la interpretación de Blavet y Marpurg habló de él como el virtuoso más brillante que preservó su modestia y humildad innata aun conociendo la popularidad intacta de la que gozó.
Blavet hizo su debut interpretando un concerto en el Concert Spirituel en 1726, donde fue recibido con gran entusiasmo. A los 40 años, Blavet era el principal flautista del ensemble musical personal de Luis XV, “La Musique du Roi”, así como de la orquesta de la Ópera de París. Rechazó un puesto en la corte de Federico el Grande –de Prusia- (trabajo que posteriormente Quantz aceptó cuando el pago fue aumentado de manera muy significativa).
Blavet escribió principalmente obras para flauta, tanto al estilo italiano como francés. Entre las piezas conservadas se incluye un concerto y tres libros de sonatas; todos sus trabajos están compuestos en las tonalidades más “fáciles”, por así decirlo, dado que las escribió para que las tocasen intérpretes amateurs. Son, sin duda, algunas de las obras más exquisitas que se han compuesto para la flauta, evocan sentimientos alegres que hacen que interpretarlas sea una tarea deliciosa. De hecho, el propio Quantz escribió sobre Blavet: “su amable disposición y su cautivadora forma de ser han dado lugar a una amistad duradera entre nosotros, y me siento muy en deuda con él por sus numerosos actos de bondad”.
Blavet, fundador de un cuarteto célebre (flauta, violín, gamba y violín continuo), interpretó cuartetos de Telemann, pudiendo incluso considerarse que fue quien los dio a conocer cuando dicho compositor visitó París.
Y como esto es lo que podemos (por ahora…) ofreceros sobre este humilde señor, sólo nos queda desearos que disfrutéis de la obra de la semana, el Concierto para flauta en La menor. Sentimos comunicaros que la versión emitida por la radio clásica era mucho mejor en cuanto a interpretación, pero en fin, nos conformaremos con la versión youtubiana. ¡A disfrutar!
Primer Movimiento
Segundo y Tercer Movimiento
Cortesía de E. Moreno
Mas, desafortunadamente, por más que busco, parece ser que Michel Blavet no gozó de una gran fama, algo por otra parte quizá también comprensible a juzgar por los grandes genios musicales que vio nacer este periodo artístico. Ya resulta realmente complicado encontrar información sobre Blavet en páginas en francés o inglés, algo que evidencia la escasez de páginas que puedan decirnos algo en español sobre este desconocido compositor. Es por ello que este pequeño artículo está basado en algunas páginas web en inglés, y algo más encontrado en un antiguo libro de un compañero.
Parece ser que la pequeña fama de Blavet se debió más que a su labor como compositor, a su formación como flautista, la cual, a su vez, estuvo marcada por el autodidactismo. Así, Blavet es conocido como un virtuoso de la flauta, si bien aprendió por sí mismo a tocar un gran número de instrumentos, entre los que también destacaba el fagot, en el cual, al igual que hiciese con la flauta, se especializó.
Un dato curioso es que, al contrario que la mayoría de los flautistas de hoy, Michel Blavet sostenía la flauta hacia el lado izquierdo.
Blavet nació en Basançon el 13 de Marzo de 1700 y murió en París el 28 de octubre de 1768. Era hijo de un tornero de madera, profesión que aprendió y ejerció durante un tiempo, mas, sin embargo, de manera casi accidental se vio convertido en profesor de flauta, llegando pronto a ser el mejor flautista de su tiempo, siendo de hecho considerado “el primero” por Quantz. Blavet destacaba por mantener una entonación impecable, incluso cuando tocaba en tonalidades más complejas, y por la belleza de su sonido.
El propio Voltaire expresó su admiración por la interpretación de Blavet y Marpurg habló de él como el virtuoso más brillante que preservó su modestia y humildad innata aun conociendo la popularidad intacta de la que gozó.
Blavet hizo su debut interpretando un concerto en el Concert Spirituel en 1726, donde fue recibido con gran entusiasmo. A los 40 años, Blavet era el principal flautista del ensemble musical personal de Luis XV, “La Musique du Roi”, así como de la orquesta de la Ópera de París. Rechazó un puesto en la corte de Federico el Grande –de Prusia- (trabajo que posteriormente Quantz aceptó cuando el pago fue aumentado de manera muy significativa).
Blavet escribió principalmente obras para flauta, tanto al estilo italiano como francés. Entre las piezas conservadas se incluye un concerto y tres libros de sonatas; todos sus trabajos están compuestos en las tonalidades más “fáciles”, por así decirlo, dado que las escribió para que las tocasen intérpretes amateurs. Son, sin duda, algunas de las obras más exquisitas que se han compuesto para la flauta, evocan sentimientos alegres que hacen que interpretarlas sea una tarea deliciosa. De hecho, el propio Quantz escribió sobre Blavet: “su amable disposición y su cautivadora forma de ser han dado lugar a una amistad duradera entre nosotros, y me siento muy en deuda con él por sus numerosos actos de bondad”.
Blavet, fundador de un cuarteto célebre (flauta, violín, gamba y violín continuo), interpretó cuartetos de Telemann, pudiendo incluso considerarse que fue quien los dio a conocer cuando dicho compositor visitó París.
Y como esto es lo que podemos (por ahora…) ofreceros sobre este humilde señor, sólo nos queda desearos que disfrutéis de la obra de la semana, el Concierto para flauta en La menor. Sentimos comunicaros que la versión emitida por la radio clásica era mucho mejor en cuanto a interpretación, pero en fin, nos conformaremos con la versión youtubiana. ¡A disfrutar!
Primer Movimiento
Segundo y Tercer Movimiento
Cortesía de E. Moreno
sábado, 14 de agosto de 2010
Sinfonía 2, Espacio cerrado (Tomás Marco)
Tomás Marco es un compositor español nacido en 1942. Durante varios años ha ocupado cargos de gran relevancia en la vida musical de nuestro país. Nació en Madrid, ciudad donde estudió violín, composición y derecho.
Entre 1962 y 1967 trabajó como crítico musical en varias revistas y periódicos, y este último año asistió a los cursos de verano de Darmstadt, donde participó en un proyecto de composición colectiva bajo la dirección de Karlheinz Stockhausen.
En 1967 fundó el estudio "Nueva Generación" y comenzó una larga relación con Radio Nacional de España, para la que en un principio desarrolló programas sobre música contemporánea y de la que desde 1969 fue director de diversos departamentos de música clásica.
De 1981 a 1985, fue Director-Gerente del Organismo Autónomo Orquesta y Coro Nacionales de España y entre 1991 y 1995 Director Técnico de los mismos conjuntos. De 1985 a 1995 fue Director del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea creando su laboratorio de electroacústica y el Festival Internacional de Alicante cuyas primeras once ediciones dirigió.
Desde 1993 es miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. De 1977 a 1996 Consejero de SGAE. En 1996 Director de Festivales de la Comunidad de Madrid. De Mayo de 1996 a Julio de 1999, Director General del INAEM. En 1998 Doctor Honoris Causa por la Universidad Complutense de Madrid.
En su producción musical destacan obras orquestales, composiciones vocales y obras de cámara. Además tiene numerosas obras para instrumentos solos, como piano y guitarra. Es autor de los libros Música española de vanguardia (1970), La música de la España contemporánea (1970) y Luis de Pablo (1971).
Ha recibido los premios: Nacional de Música en 1969, Fundación Gaudeamus (Holanda) 1969 y 1971, VI Bienal de París, Centenario de Casals, Arpa de Oro, Tribuna de Compositores de la UNESCO. En 2002 recibió el Premio Nacional de Música en la modalidad de composición.
En la actualidad se dedica exclusivamente a escribir música y sobre música.
Para ver el listado de sus composiciones, consultar esta página.
Su sinfonía 2, titulada Espacio cerrado, propuesta para esta semana, fue compuesta en el año 1985.
Parte 1: clic aquí
Parte 2: clic aquí
Fuentes: Wikipedia y El poder de la palabra.
Entre 1962 y 1967 trabajó como crítico musical en varias revistas y periódicos, y este último año asistió a los cursos de verano de Darmstadt, donde participó en un proyecto de composición colectiva bajo la dirección de Karlheinz Stockhausen.
En 1967 fundó el estudio "Nueva Generación" y comenzó una larga relación con Radio Nacional de España, para la que en un principio desarrolló programas sobre música contemporánea y de la que desde 1969 fue director de diversos departamentos de música clásica.
De 1981 a 1985, fue Director-Gerente del Organismo Autónomo Orquesta y Coro Nacionales de España y entre 1991 y 1995 Director Técnico de los mismos conjuntos. De 1985 a 1995 fue Director del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea creando su laboratorio de electroacústica y el Festival Internacional de Alicante cuyas primeras once ediciones dirigió.
Desde 1993 es miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. De 1977 a 1996 Consejero de SGAE. En 1996 Director de Festivales de la Comunidad de Madrid. De Mayo de 1996 a Julio de 1999, Director General del INAEM. En 1998 Doctor Honoris Causa por la Universidad Complutense de Madrid.
En su producción musical destacan obras orquestales, composiciones vocales y obras de cámara. Además tiene numerosas obras para instrumentos solos, como piano y guitarra. Es autor de los libros Música española de vanguardia (1970), La música de la España contemporánea (1970) y Luis de Pablo (1971).
Ha recibido los premios: Nacional de Música en 1969, Fundación Gaudeamus (Holanda) 1969 y 1971, VI Bienal de París, Centenario de Casals, Arpa de Oro, Tribuna de Compositores de la UNESCO. En 2002 recibió el Premio Nacional de Música en la modalidad de composición.
En la actualidad se dedica exclusivamente a escribir música y sobre música.
Para ver el listado de sus composiciones, consultar esta página.
Su sinfonía 2, titulada Espacio cerrado, propuesta para esta semana, fue compuesta en el año 1985.
Parte 1: clic aquí
Parte 2: clic aquí
Fuentes: Wikipedia y El poder de la palabra.
viernes, 6 de agosto de 2010
Concurso de composición
I Concurso de composición
“La Tercera Fase”
“La Tercera Fase”
Objetivo.-
El objetivo de este concurso es la difusión y promoción de nuestra música, tanto a nivel compositivo como interpretativo.
Bases.-
1. Podrán participar todos los alumnos que cursen durante el curso 2010-2011 cualquier especialidad en el CSM Manuel Castillo de Sevilla.
2. Las obras compuestas podrán presentarse hasta el día 1 de abril de 2011.
3. Las obras podrán tener una plantilla libre, pero no superior a los siguientes instrumentos: 1 Fl, 1 Ob, 2 Cl, 1 Fg, 1 Trpta, 1 Cor, 1 Trb, 2 Vl, 1 Vla, 1 Vc, Piano y percusión.
4. El estilo de la obra será personal.
5. Las obras se deberán entregar vía internet, en formato PDF, a la dirección de correo latercerafase.sevilla@gmail.com . Si es posible, se adjuntará un archivo de sonido, formato MIDI u otro, para facilitar la labor del jurado.
6. Las obras presentadas deberán ser inéditas, y sólo se podrá presentar cada participante una única obra.
7. La duración de las mismas estará entre los 6 y los 12 minutos.
8. Previamente, el participante del concurso deberá hacer una preinscripción, a la dirección de correo antes indicada, mostrando su intención de presentarse al concurso, así como sus datos personales y el curso y especialidad en los que está matriculado. La preinscripción estará abierta hasta el día 30 de septiembre de 2010. Este proceso no pretende seleccionar a los participantes; solo es una vía para estimar el número de concursantes y para que estos reciban más información sobre la forma de entrega de las obras.
9. Para evitar posibles preferencias del jurado, el material entregado no deberá contener referencias de la autoría del mismo (más información a través de la preinscripción). El secretario asignado se encargará de hacer llegar las obras al jurado, y de desvelar los nombres de los autores de las obras que queden en primer, segundo y tercer lugar.
10. Los premios serán no remunerados (salvo posibles patrocinadores que surjan). Se considerarán tres premios.
11. Las obras, finalmente, serán interpretadas por compañeros del conservatorio que se presten a tal labor, en un concierto donde se interpreten todas las obras. Todos los compositores, después del proceso de selección de los premios, podrán añadir un comentario de la obra, que se incluirá en el programa de mano del concierto.
12. Los compositores, al participar en este concurso, dan su consentimiento para poder grabar en vídeo y/o audio el concierto.
13. Posteriormente al concierto, se editará un CD o DVD, para memoria del mismo.
El concierto de clausura se realiza para cumplir el propio fin del concurso. Esperamos contar con la colaboración del conservatorio en cuanto a la disposición de la sala de audiciones.
Para cualquier otra duda o sugerencia, escríbanos a la dirección de correo latercerafase.sevilla@gmail.com .
Sevilla, 6 de agosto de 2010.
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También puedes descargarte las bases pulsando aquí.
La obra de la semana: Metamorfosis sinfónica
Enlace (clic derecho y Abrir en una ventana nueva):
Metaforfosis sinfónicas sobre temas de Weber es una obra para orquesta compuesta por Paul Hindemith el año 1943.
La idea de componer una obra basada en la música de Carl Maria von Weber vino del coreógrafo y bailarín Léonide Massine. Este iba con la intención de que Hindemith creara un ballet. Después de estudiar la música de Weber, Hindemith tuvo la ocasión de asistir a una representación de un ballet de Massine, pero no le gustó. Así que rechazó la idea de componer música para él, y compuso una obra exclusivamente de concierto.
Las Metamorfosis sinfónicas tienen cuatro movimientos:
- Allegro
- Scherzo (Turandot): Moderato - Vivo
- Andantino
- Marcha
Los temas los tomó de la música incidental que Weber escribió para una obra de teatro de Carlo Gozzi, basada en la misma leyenda de Turandot que posteriormente inspiraría la ópera Turandot de Giacomo Puccini. Hindemith y su mujer solían interpretar la obra de Weber para piano a cuatro manos.
Además de esta música incidental, Hindemith también usó temas de otras obras poco conocidas:
Op. 60/4 (núm. 253 en el catálogo Jähns de las obras de Weber), para el primer movimiento
Op. 10/2 (J. 10), para el tercer movimiento
Material de los dúos para piano Op. 60/2 y 60/7 (J. 242 y 265) para temas de los movimientos dos y cuatro.
El segundo movimiento da mucha importancia a los vientos, también como solos, y a la percusión con pasajes de gran imaginación creadora y con un tratamiento hábil de conjunto.
La obra fue estrenada el 20 de enero de 1944 en Nueva York, bajo la dirección de Artur Rodziński.
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